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Flor Bosco y sus juegos quiméricos

PRAVIA 22 (marzo – abril 2016)

Por: Miriam F. Pérez Manrique

Flor Bosco es una artista multidisciplinaria que ha experimentado las diferentes vertientes del ensamblaje logrando revivir a manera de juego cada uno de los objetos. Su arte se ha catalogado como bizarro, oscuro y macabro. A través de paradojas de la vida explora las relaciones humanas, la violencia de nuestra sociedad y la espiritualidad, creando personajes quiméricos y escenarios oníricos. A la par de las artes visuales se ha especializado en la práctica e instrucción de la yoga, siendo esta disciplina una de las influencias en su vida que le han abierto el camino en su búsqueda del espíritu. Como artista visual se ha formado a través de varios cursos y talleres de arte, dos veces becaria como Artista con Trayectoria para el IECG y ha participado en más de 50 exposiciones tanto colectivas como individuales en diferentes espacios oficiales del país.

La obra de Flor se ha expuesto en tres ediciones del Cervantino, en cuatro ediciones el Festival Internacional de Arte Contemporáneo y en 2006 fue parte de la selección oficial en el Art Miami Fest. En esta ocasión Flor nos abre las puertas de su taller, “Mundo Quimérico”, el lugar donde nacen sus obras, un lugar lleno de magia. Tiempo atrás era un lugar lleno de cosas y detalles, pero durante un proceso de desapego, ha ido renovando su energía y sobre todo liberándose de cargas pasadas. Y desde la intimidad de su taller, nos ofreció la siguiente entrevista.

Flor Bosco6¿Quién eres y de dónde eres originaria?

De León, Gto. Siempre he vivido aquí, es difícil que te diga quién soy porque depende. Los años que me lo han preguntado he dicho diferentes cosas, en realidad siempre estamos cambiando. En este momento te diría, tal cual que soy una buscadora espiritual.

¿Cómo fue tu acercamiento al arte?

No fue una decisión, nunca pensé: “me voy a dedicar a las artes visuales”. Primero fue por expresión, una forma de comunicación que se convirtió en un lenguaje. Luego los años dieron un estilo, los objetos se convirtieron en el alfabeto y con ellos pude decir más de lo que pude decir con las palabras, fue mi modo de enlazarme con el mundo. Todo eso fue dándose de manera natural y me fui dedicando sin darme cuenta. Nunca tuve una educación artística formal, yo estudié comunicación.

¿A partir de qué edad comienzas a ensamblar?

Bien chiquilla, como a los 7 años ya estaba haciendo ensambles de lo más burdo y ni sabía qué era. La técnica existe mucho antes, pero yo no la conocía. Mi papá era pintor pero se quedó en lo clásico, era muy académico, él me formó sin quererlo finalmente porque tenía muchos libros de arte. Goya era el que más me impresionaba. Por lo mismo, a mí se me hacía el arte ajeno, lejano. Yo veía de lo que él le gustaba, creo que mi papá nunca creyó que esto era arte, y terminó aceptándolo pero nunca lo comprendió. Los ensambles los hacía yo como juego, abría las cosas, les ponía monos, les pegaba otras. Yo lo veía como si fuera una manualidad, primero hice los ensambles y luego descubrí que había toda una tradición.

¿Conservas aún alguno de tus primeros ensamblajes de niña?

Tenía dos que hice como de ocho años, pero en mi mudanza del taller con todo y dolores de corazón se fue a la basura, tire mi primer ensamble. Fue un impulso de decir: “esto ya basta”. A veces me preguntaban que con cual pieza me identifico, yo te puedo decir que ya ahorita no con muchas, van siendo parte de tu historia y no te puedes quedar ahí.

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¿Cómo descubriste que lo que hacías era arte?

Pues me lo dijeron, yo ni en cuenta. Me irritaba incluso. Francisco Romero y José Luis García Galiano fueron los primeros que me invitaron a exponer y que me dijeron que era arte. Mi primera exposición fue “Absurda”, en un lugar en la Calzada que se llamaba La Alberca, luego esa misma exposición pero ya con más piezas se convirtió en “Mundo Quimérico”, que estuvo en la Casa de la Cultura dentro del FIAC en el 2000.

Háblanos de tu obra y del ensamblaje  – arte objeto que realizas

Yo digo ensamblaje, me gusta más porque no estás diciendo que es arte el objeto, el ensamblaje puede o no ser arte. El ensamblaje es el ir haciendo la superposición de capas de significaciones, pero que tengan una coherencia, por eso puedes ver muchas capas. También le llaman el objeto encontrado porque los objetos ahí están, al objeto encontrado tú le propones un concepto. Como las nubes que ves, y les ves cara de algo, pero tiene que ser muy definido el ángulo para que el otro lo pueda ver tan claramente como tú. Puede pasar que solamente con ponerle un encaje o ponerle en cierta posición, con cierta luz o en cierto color ya le estas indicando al otro lo que tu viste en ese objeto. Digamos que los objetos entre ellos dialogan, cada uno trae su propia carga. Hay objetos que traen una carga demasiado pesada y no te permiten que tu voz esté sobre la de ellos. Son como muchas voces, la voz del objeto que se pega con el otro objeto, tu propia voz y  refrendas tu concepto a través del título.

Yo decía en un textito que hice, que yo nunca podía caer al fondo de mi misma porque siempre me recogían las alas de los ángeles. Tengo muy arraigado el catolicismo, porque por mucho que lo critico, mi imaginario y mi espiritualidad está casada ahí. Lo acepté apenas en 2011 cuando hice “Palabra, obra y omisión”, asumí a la iglesia como mi madre, como decía yo: “puta y todo pero es mi madre”. Porque ya estás asumiendo lo que te formó, a mí me formó o deformó, como lo quieras ver, pero me reconforta. No tengo miedo a morir, yo le encuentro sentido a un Dios amoroso, cuando veo mucha mierda nada más me digo: “pues no entiendes nada”.


“Sobre si mi obra es o no para todos los ojos, no me lo planteo, dentro de mi contexto yo no busco que sea diferente, ni que sea polémico, pero si eso es lo que resulta, no lo voy a cambiar porque no me interesa cambiarlo para hacerlo más accesible”.


¿En qué momento estas ahorita?

Estoy en el lienzo en blanco si fuera pintor, no vislumbro nada. Cuando algo deja de ser fascinante o deja de sorprenderte entonces ya tu camino va a ser otro. Hay que ser honestos con uno mismo, es parte del desprendimiento. El momento está así, de “hágase en mí según tu voluntad”, que son las palabras mágicas de la vida.

“Se pueden quedar con mis entrañas”, esa pieza  pudiera ser que habla de mi momento actual, porque aunque la hice en el 2011 está más allá de tus entrañas. Se pueden quedar con mis entrañas, porque estás por encima de eso o no traspasas eso. La gente se lleva un pedazo mío, y pues se llevan un pedazo de ellos, te descubres en el otro y el otro en ti. Es una empatía totalmente; cuánto más íntima sea tu pieza, se va a volver más popular, eso me quedó bien claro, y cuánto más pretencioso quieres ser, vale madre la pieza, la gente lo puede percibir.

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“Las circunstancias son, y tu fluyes dentro de esas circunstancias”.

¿Qué es un artista para ti?

La técnica no te hace artista, pero tampoco la ocurrencia te hace, ni porque sientas  bien bonito eres artista, ni porque sufras mucho y te hayan pasado muchas cosas fuertes. Es un tejido muy delicado y a veces predomina más una cosa que otra en el tejido, pero una sola cosa no te hace ser artista.

 

“El arte no nada más es entraña o sentimiento,

pues también le piensas y es espíritu”.

 

¿Qué recomendación le darías a los jóvenes artistas?

Que le chambeen, porque primero quieren la fecha y quieren el itinerario y ya se ponen a trabajar a las últimas. Hay gente que con trabajo muy valioso y lo tienen por encima de las exposiciones, porque parece que luego quieren primero exponer. Que sean honestos, y no se pongan a trabajar sólo para una colectiva, porque todo mundo le entra a los colectivos pero quien te llena una sala y no por llenártela, sino porque está apostándole a un discurso y tiene un tema.

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